Psicopolítica - o neoliberalismo e as novas técnicas de poder

Hoje, cada clique que damos e cada termo que pesquisamos ficam salvos. Cada passo na rede é observado e registrado. Nossa vida é completamente reproduzida na rede digital. Os nossos hábitos digitais proporcionam uma representação muito mais exata de nosso caráter, e nossa alma, talvez até mais precisa ou mais completa do que a imagem que fazemos de nós mesmos (HAN, 2018, p.85).

Psicopolítica - o neoliberalismo e as novas técnicas de poder reúne 13 capítulos curtos sobre o sistema neoliberal e suas formas de controle exercidas sobre os indivíduos na atualidade. Seu autor, o filósofo e professor alemão de ascendência sul-coreana Byung-Chul Han, alcançou projeção mundial com livros como Sociedade do Cansaço e Sociedade da Transparência. Um dos principais fatores apresentados em Psicopolítica é a cobrança que exercemos sobre nós mesmos a partir de uma falsa liberdade explorada pelo sistema neoliberal. Han discorre sobre como, na sociedade da informação, o capitalismo industrial deu lugar ao neoliberalismo e ao capitalismo financeiro. Nesse contexto, a figura do empreendedor, capitalizada pelo sucesso das startups digitais dos anos 2000, faz com que cada um seja "um trabalhador que explora a si mesmo para a sua própria empresa. Cada um é senhor e servo em uma única pessoa. A luta de classes também se transforma em uma luta interior consigo mesmo" (HAN, 2018, p.14, grifo do autor). Nesse sistema de desempenho, aquele que "falha" e não se enquadra nos padrões passa a se envergonhar, a questionar a si mesmo e não ao sistema no qual está inserido. Em regimes anteriores, no qual há a figura do patrão, existe a distinção entre explorador e explorado que permite a organização por parte dos explorados em busca de melhores condições. Dentro do esquema individualista neoliberal, cada um é responsável por si e, dessa forma, a resistência coletiva ao sistema é minada.

Enquanto a biopolítica tratava do poder sobre o corpo, a psicopolítica refere-se à exploração da psique. Se o primeiro baseava-se no poder disciplinar, no medo, o segundo utiliza a positividade, nos estimula a continuar a produzir. O que Han chama de "capitalismo da emoção" é um regime que busca o lucro acima dos limites racionais e para isso explora a noção de liberdade. "Ser livre significa deixar as emoções correrem livres" (HAN, 2018, p65). Consequentemente, consumir sem pensar, apenas sentir. Quando se deve fazer algo, como uma obrigação, as regras e limites são mais claros. Ao se trocar o dever por poder, essas possibilidades são ilimitadas e resultam em uma situação paradoxal de coerção. Ser livre deveria justamente representar a ausência de coerções, mas não ao ser explorada dentro do sistema socioeconômico neoliberal:

Doenças psíquicas, como depressão ou burnout são expressões de uma profunda crise da liberdade: são sintomas patológicos de que hoje ela se transforma muitas vezes em coerção. O sujeito do desempenho, que se julga livre, é na realidade um servo: é um servo absoluto, na medida em que, sem um senhor, explora voluntariamente a si mesmo (HAN, 2018, p.10, grifo do autor).

As mídias sociais exercem papel importante para a manutenção do sistema criticado por Han. Alimentamos, por vontade própria, redes que monitoram nosso desempenho, resultando em vigilância invisível e onipresente. O constante monitoramento coletivo e a busca permanente por otimização pessoal são autoexplorações destrutivas que resultam em colapsos mentais, de acordo com o autor. A febre do coaching, cursos de desenvolvimento pessoal e treinamentos de inteligência emocional seriam característicos desse processo. O ser humano é transformado em um produto no qual seu "aprimoramento" não tem limites (e cuja eventual ineficácia é de responsabilidade do próprio indivíduo). Com a crescente ausência de jornadas de trabalho definidas, vida profissional e pessoal se misturam, tendo a busca por eficiência e otimização como objetivos. Essa é, conforme Han escreve, uma técnica de dominação e exploração:

A técnica de poder do regime neoliberal assume uma forma sutil. Não se apodera do indivíduo de forma direta. Em vez disso, garante que o indivíduo, por si só, aja sobre si mesmo de forma que reproduza o contexto de dominação dentro de si e o interprete como liberdade. Aqui coincidem a otimização de si e a submissão, a liberdade e a exploração (HAN, 2018, p.44).

A leitura de Han é válida para se tentar entender a sociedade contemporânea, na qual relações de trabalho como as dos nômades digitais e do trabalho remoto ainda são relativamente novidades. Aplicado ao contexto da comunicação e das indústrias criativas, é importante para se pensar sobre o papel dos profissionais atuantes nessa áreas: de que forma suas ações contribuem ou não para o consumo irracional, por exemplo. O que Han escreve diz muito sobre a geração millennial. Nos acreditamos livres, empresários donos dos nossos futuros cheios de possibilidades. Trabalhamos continuamente, mesmo que sem patrão e de qualquer lugar, enquanto nos tornamos carrascos de nós mesmos sem perceber. Para completar, divulgamos nas redes para que todos vejam (e curtam).

HAN, Byung-Chul. Psicopolítica - o neoliberalismo e as novas técnicas de poder / Byung-Chul Han ; [tradução Maurício Liesen] . --1. edi. -- Belo Horizonte : Editora Âyiné, 2018.

Assalto à cultura : utopia subversão guerrilha na (anti) arte do século XX

Escrito pelo inglês Stewart Home e publicado originalmente em 1988, Assalto à cultura : utopia subversão guerrilha na (anti) arte do século XX é um estudo sobre grupos artísticos que questionaram o papel da cultura e da arte durante o século 20, especificamente no período entre as décadas de 1940 e 1980. Home conceitua a arte como a cultura da classe dominante, "uma tentativa da aristocracia de defender os valores da sua classe como objetos de irreverência irracional" (HOME, 2004, p.71, grifo do autor). Dessa forma, a concepção moderna de arte seria um meio de representar a visão de mundo aristocrática como sendo superior e que, posteriormente, seria absorvida e transformada pela burguesia. Parte da atuação da vanguarda artística estaria relacionada ao questionamento das relações culturais e políticas que resultam na separação social. A atuação da vanguarda incomodaria por ir contra a arte estabelecida no mercado e bem aceita pela sociedade, que seria, segundo Home, "uma religião secular que fornece uma justificativa 'universal' para a estratificação social, decorando a classe dominante com a cola social de uma cultura comum, enquanto, ao mesmo tempo, exclui a vasta maioria dos homens e mulheres deste ambiente 'mais elevado' " (HOME, 2004, p.184).

A arte como produto é um assunto recorrente. Home considera a ideia de livre mercado uma mentira criada para suavizar a ideologia dos grupos de grande poder social e econômico que influenciam a sociedade de acordo com seus interesses. A arte produzida na modernidade torna-se um bem de consumo e tem na vanguarda um ponto crítico dessas relações comerciais. Ao mesmo tempo, tratam-se de grupos surgidos em sociedades capitalistas e cujas atividades não fogem completamente dessa lógica de mercado. Isso não seria uma contradição, sendo que uma das funções da vanguarda seria a visão crítica da sociedade na qual está inserida, sua análise por uma perspectiva diferente e que questiona sua dinâmica de existência e seus valores. O exemplo de maior visibilidade é o punk. Apesar de apropriado pela cultura dominante, teve um papel importante em questionar noções musicais e comportamentais, além da própria cultura jovem institucionalizada, antes de se tornar parte da mesma.

O livro parte do Surrealismo e do Futurismo para analisar grupos de vanguarda surgidos no pós-guerra, a partir do Cobra, em 1948, passando por nomes como o Movimento Letrista, Internacional Situacionista, Fluxus, Neoísmo e Class War. O Cobra tem sua base na crítica ao individualismo crescente no período. Acreditava que a arte poderia ter um papel revolucionário na sociedade e que para se alcançar maior liberdade era necessário uma arte popular e acessível, possível somente através da criação coletiva e não individual. Assim como na maioria dos grupos surgidos nas décadas seguintes e registrados em Assalto à cultura, seus membros atuavam na pintura, poesia, na publicação de revistas com artigos teóricos e na arquitetura. Posteriormente, outros grupos abrangeriam as artes visuais de forma mais ampla, música, audiovisual, instalações, performances e formas de expressão mais difíceis de serem classificadas, como a distribuição de bicicletas feitas pelo Provos (exemplo de uma ação desenvolvida pelo grupo) ou toda a Mail Art (literalmente, arte de correio, baseada na troca de cartas).

Um trecho essencial para se entender a abordagem que Stewart Home faz da arte está na introdução de Assalto à cultura, quando o autor escreve que a arte seria:

a mais legitimada forma de sentimentalismo masculino. O artista "homem" é tratado como um gênio, por expressar sentimentos que são tradicionalmente "femininos". "Ele" constrói um mundo no qual o homem é transformado em herói por demonstrar sensibilidades "femininas"; e o feminino é reduzido a um papel insípido e subordinado. A "boêmia" é colonizada por homens burgueses - dos quais alguns poucos são gênios, e a maioria deles, excêntricos. As mulheres burguesas cujo comportamento lembra o dos gênios masculinos são consideradas histéricas - enquanto proletários de ambos os sexos que se comportam de tal maneira são simplesmente rotulados de loucos. A arte, tanto na prática como no conteúdo, depende de gênero e de classe. (HOME, 2004, p.14)

Enquanto as questões de gênero, em pauta atualmente, possuem pouco destaque no livro, o debate sobre individualidade e coletividade permeia a obra de diversos coletivos analisados. A contraposição à imagem do artista como gênio individual chega até a utilização dos nomes múltiplos e abertos, os quais podem ser usados por qualquer pessoa "como forma de subverter o star system e questionar as noções burguesas de identidade" (HOME, 2004, p.119).

Apesar de não deixar claro se tratar de uma escolha proposital, todos os grupos analisados são europeus ou da América do Norte. A ausência de estudo sobre a atuação de vanguardas artísticas em outros continentes durante os 50 anos que o livro abrange deixa em aberto a questão sobre como as vanguardas se desenvolveram nessas regiões e se as dinâmicas de classe teriam exercido influência semelhante na arte criada por populações não brancas e em países subdesenvolvidos.

A pesquisa de Stewart Home é importante para se tentar entender as dinâmicas de criação e consumo de arte. Com uma visão crítica desse processo, a partir daqueles que questionaram o sistema predominante, é possível vislumbrar alternativas e identificar algumas de suas características negativas, como aquelas que reforçam desigualdades. Assalto à Cultura reflete, em maior parte, uma visão política à esquerda, consequência da atuação e do pensamento vigente nos grupos que analisa. Sua essência permanece atual e reforça a característica vanguardista de estar à frente de seu tempo. Esse ponto fica evidente em trechos como aquele no qual Home escreve, ainda na década de 1980, em uma nota de rodapé, que "a velocidade com a qual os meios de comunicação eletrônicos operam pressionam aqueles que os usam a reduzir o tempo que levam para tomar uma decisão, de tal forma que diminuem a qualidade geral do pensamento humano e a racionalização das escolhas individuais" (HOME, 2004, p. 134).

[o livro está disponível para download gratuito, em inglês, no site do autor]

Home, Stewart. Assalto à cultura : utopia subversão guerrilha na (anti) arte do século XX / Stewart Home ; [tradução Cris Siqueira] . -- 2. edi. -- São Paulo : Conrad Editora do Brasil, 2004. Título original: The assault on culture.

Empreendedorismo para subversivos, a estreia literária do Facundo Guerra

O título é ruim (fato comentado pelo próprio autor), mas isso não impede que
Empreendedorismo para subversivos - um guia para abrir seu negócio no pós-capitalismo
seja leitura indicada para quem pretende abrir seu próprio negócio e, principalmente, para quem trabalha com entretenimento. Chamado inúmeras vezes de "rei da noite de São Paulo", Facundo Guerra, autor do livro, é figura onipresente quando se trata da vida noturna paulistana. Foi um dos criadores do clube Vegas, essencial para atrair um público mais amplo para o chamado "Baixo Augusta" e transformar a região a partir de uma maior oferta cultural na primeira década dos anos 2000. Hoje, Vegas é também o nome do grupo que Facundo integra e que é dono do Cine Joia, PanAm Club, Mirante 9 de Julho e Z Carniceria, entre outros empreendimentos, como o bar Arcos, no subsolo do Theatro Municipal de São Paulo, que será inaugurado este ano.

A trajetória de Facundo é interessante: nasceu na Argentina, estudou engenharia de alimentos, fez especialização em jornalismo internacional, mestrado e doutorado em Ciência Política. Trabalhou na Tetra Pak, American Express, Aol (em plena bolha da internet) e foi sócio de grife. É justamente enquanto reflete sobre sua trajetória e os aprendizados desses percursos que se encontram os melhores pontos do livro. Quando foge se distancia da auto-ajuda empresarial e se aproxima da filosofia ganha relevância, em trechos como "uma grande parte da criatividade artística, compromisso político e fervor religioso dos humanos é alimentada pelo medo da finitude, da morte; e empreender pode ser uma plataforma para em algum nível se escapar também da morte. Criar sua marca no mundo, deixar um legado".

Facundo critica o mercado e a sociedade da qual faz parte (e tem noção de que alimenta a ambos). É engraçado ele parafrasear o trecho do "choose life" de Trainspotting na contracapa do livro, uma vez que a figura estereotipada do "jovem empreendedor millenial" se encaixa exatamente no alvo da crítica do texto original. Talvez a maior parte de seus leitores não capte a ironia em questão.

Muito além de um guia propriamente dito, é um livro sobre interações, análises de contexto, comunicação e propósitos. Sobre como raiva e decepção podem nos guiar e como armadilhas do mundo dos negócios podem desestimular a criação e a inovação. Pode não mudar a sua vida, mas com certeza pode ajudar a bater menos cabeça na hora de desenvolver algum novo projeto. Não custa nada aprender com quem já errou (e também acertou muito).

Abaixo, alguns trechos selecionados. E não se desestimule se te lembrar do estilo da literatura de auto-ajuda empresarial, no contexto original essa sensação é menor. 😊

Por que as marcas têm tanto poder e influência sobre nós nos dias de hoje? Para que servem, afinal? Marcas são entidades intersubjetivas que existem em um plano no qual compactuamos que um determinado produto tem determinadas características. Diferentemente da objetividade e da subjetividade, a intersubjetividade parte de um pacto, de uma negociação entre muitos, e os departamentos de marketing constroem os atributos das suas marcas usando as ferramentas de comunicação que estão ao alcance de seus bilhões. Com isso, constroem características artificiais para suas marcas que nós, consumidores, queremos usar para complementar nossa identidade ou a maneira como queremos ser percebidos pelos nossos pares. Quanto mais medrosos, inseguros, quanto menor nossa autoestima, tanto mais compraremos, para que possamos completar nosso "eu" frágil através de marcas que atribuirão valores artificiais ao nosso ser. Marcas são apps existenciais, algo que usamos para tapar as lacunas de nosso sistema operacional cheio de buracos.

....... 

Investigue profundamente se a pergunta que você colocou a si mesmo já tem resposta ou alguém trabalhando nela. Se esse for o caso, em em grande parte das vezes é, conecte-se a esse algo existente e contribua para torná-lo melhor. Será mais impactante do que simplesmente fazer algo ligeiramente diferente e dividir forças. Entre os empreendedores, idealmente, não deveria existir a ideia de concorrência. Crie parcerias, relações, cruze símbolos e territórios, trace complementaridades: empreendedores deveriam ser aliados na criação de um mundo novo. 

Ok, esse finzinho foi brega.  ¯\_(ツ)_/¯

Dias de Luta: o rock e o Brasil dos anos 80

No geral, poucas coisas geravam tão pouco interesse em mim como o rock brasileiro dos anos 80. Apesar de ter sido minha porta de entrada como consumidor de música (Vamo Batê Lata, dos Paralamas do Sucesso, e Domingo, dos Titãs, foram os primeiros produtos musicais que comprei, em K7, por volta de 96), desde a minha adolescência o rock nacional popular passou a representar aquilo ao qual ir contra. Era o sinônimo do padronizado, brega, óbvio. Aquilo que crescemos vendo na TV e queremos rejeitar. Chegar até Dias de Luta: o rock e o Brasil dos anos 80, escrito pelo Ricardo Alexandre, foi marcado por certo esforço para conhecer mais sobre um período marcado pelo meu desprezo pessoal e por uma curiosidade para tentar entender melhor como chegamos ao mercado musical brasileiro atual.

Para alguém como eu, nascido na segunda metade dos anos 80, um dos pontos altos do livro é contextualizar o cenário em que bandas como Paralamas do Sucesso, Titãs, RPM, Legião Urbana e Kid Abelha surgiram. Um período em que a música brasileira aos poucos vai se aproximando das tendências internacionais, o que na época resultou em fortes influências new wave e pós-punk. Um momento estranho (visto de longe) em que o que viria a se tornar o pop rock nacional era o estilo musical mais popular do país, onipresente em rádios e programas de tv (o que dos anos 90 em diante seria ocupado pelo axé, pagode, sertanejo e funk), e que tinha artistas iniciantes vendendo 10 mil cópias de seus singles e sendo considerado fracassos (comparados ao grande número de artistas que tinham vendas exorbitantes, acima dos 100 mil discos).

Um livro sobre influência da indústria cultural, ingenuidade, o início da decadência do Rio de Janeiro, a construção dos alicerces do mercado de rock no Brasil e da evolução da cultura pop no país. O momento em que jovens passam a ter maior peso como consumidores e a se verem representados nos palcos, com músicos também jovens, falando sobre temas do cotidiano que viviam e não medalhões da MPB de décadas passadas que pareciam inacessíveis e se esforçavam em parecer superiores.

FELA. Esta vida puta

Sem muito alarde, em 2017 completaram-se 20 anos da morte de Fela Kuti, um dos músicos africanos de maior reconhecimento mundial e criador do termo afrobeat (além de ser seu maior expoente). Após um show da Juçara Marçal com o Cadu Tenório em BH, na Sian - Semana Idea de Artes Negras, me deparei com este FELA. Esta vida puta (Fela, Fela: This bitch of a life) à venda. Lançado originalmente em 1982 e publicado no Brasil pela editora Nandyala em 2011, o livro é resultado de horas de entrevistas do escritor e cientista político cubano Carlos Moore (que vive no Brasil há quase 20 anos) com Fela e pessoas ligadas a ele.

O foco do livro é a vida pessoal de Fela e sua atuação política, com abordagem superficial de sua música - o que de forma alguma torna os relatos, narrados na primeira pessoa, menos interessantes. Incrível como Fela ainda não tenha sido objeto de uma cinebiografia de grande porte (apesar de o livro ter inspirado um musical da Broadway produzido por Jay Z, Will e Jada Pinkett Smith e um documentário). Ele misturou o highlife ganês ao jazz para criar um dos estilos de música mais disseminados no mundo; vivia em uma comuna com dezenas de pessoas que constituíam o que chamavam de República de Kalakuta (que foi invadida pelos militares várias vezes, com relatos terríveis de violência física e sexual por parte dos soldados); chegou a ocupar um prédio inteiro de sua gravadora, com os integrantes de sua organização, quando ela o devia dinheiro; quis ser presidente da Nigéria; foi preso diversas vezes (no geral, por porte de maconha), somando cerca de três anos na cadeia; tinha uma boate chamada Shrine (santuário), onde realizava não só shows mas também cultos; ganhou milhões de dólares e morreu pobre...

A imagem construída no livro é a de uma figura contraditória, às vezes execrável e, outras, exemplo de conduta social e política em busca de uma sociedade mais igualitária. Seus embates com os muitos governos militares que tomaram o poder na Nigéria entre as décadas de 1960 e 1990 (foram sete Golpes de Estado no período) e a luta pela valorização da cultura negra e o pan-africanismo são destacados, mas seus erros e falhas de caráter são parte essencial dos relatos. Casado com 27 mulheres (todas de famílias poligâmicas africanas, exceto uma), praticamente todas relataram casos em que Fela as bateu. Ele acreditava que as mulheres eram inferiores aos homens e dizia que a homosexualidade era "contra a natureza". Sua explicação para a homosexualidade chega a ser engraçada de tão absurda: "Acho que é causado pela comida que eles comem, a alimentação deles. Muita comida industrializada e pouca comida natural. Poluição, religião e alimentação. Essas, eu acredito, são as causas da homosexualidade".

Apesar de ter dois irmãos médicos, Fela era ignorante em relação a certas questões (hoje, básicas) a ponto de não acreditar na Aids e ser contra o uso de preservativos, chegando a fazer uma música sobre isso (ele dizia que preservativos eram mais uma invenção do homem branco ocidental para diminuir a população africana).

Antes de se tornar cada vez mais místico e se perder em teorias de conspirações envolvendo espíritos, Fela representou a anticelebridade politizada que realmente vivia de acordo com as causas que defendia. Como Moore apresenta na introdução, Fela Kuti era um artista político idealista que não se rendeu à indústria cultural:

"Na economia de mercado global dos dias de hoje, em que o excesso de bens materiais e o status social são hiper valorizados, seu inconformismo autêntico contrastava, radicalmente, com a imagem do artista pop contemporâneo. Na verdade, ele poderia facilmente ter feito fortuna, vivendo e criando no exterior e desfrutando da adulação de um crescente exército de fãs no mundo inteiro. No entanto, ele recusou o exílio. 'Ninguém me obrigará a sair deste país', ele avisou. 'Se ele não é digno de se viver, então é nosso dever torná-lo digno'".

Em abril de 1997, o governo do General Sani Abacha, que havia tomado o poder três anos antes em mais um Golpe de Estado, ordenou nova invasão da casa de Fela e sua prisão por porte de maconha, condenando-o a 10 anos de prisão (o real motivo da prisão teria sido as críticas feitas por Fela ao governo, que ele acusava de ser corrupto e injusto). Solto sob fiança em julho do mesmo ano, Fela morreria um mês depois de voltar pra casa. No ano seguinte, o general Abacha morreria após um ataque cardíaco e foi descoberto que mantinha mais de 4 bilhões de dólares no exterior.

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Trecho:

"Se eu quero deixar uma marca no mundo? Não. De jeito nenhum. Sabe o que eu quero? Eu quero que o mundo mude. Eu não quero ser lembrado. Eu só quero fazer minha parte e ir embora. Se lembrar faz parte do lance do mundo, isso é problema deles. Eu vou fazer minha parte. Eu tenho que fazer minha parte. E todo mundo tem que fazer a sua. Não pelo que você vai ser lembrado, mas pelo que você acredita como ser humano É pra isso que todo mundo devia vir ao mundo.  Se você quer fazer as coisas porque quer ser lembrado, você só tá fazendo por motivos pessoais. Faça as coisas simplesmente porque você acredita nelas. Um ser humano devia ser assim.

(Fiquei tentado a colocar um trecho sobre a época em que ele acreditava que espíritos estavam incorporando em suas esposas e que uma delas fosse espiã da CIA, mas, no fim, preferi dar espaço pra um momento mais otimista)

Unknown Pleasures, uma banda por dentro

Para além das histórias de superação, perseverança e sobre "seguir os sonhos", todas comuns às biografias de personalidades, Unknown Pleasures é marcado por uma desmitificação de Ian Curtis e pelas diferentes limitações que definiram a história do Joy Division. Escrito por Peter Hook, baixista e um dos fundadores da banda, e lançado originalmente em 2012, o livro foi lançado no Brasil em 2015 com o título Joy Division: Unknown Pleasures - a biografia definitiva da cult band mais influente de todos os tempos. É a história do Joy Division, mas também a primeira parte de uma biografia do próprio Hook que, apesar de alguns saltos temporais, cobre de sua infância ao fim da banda e o lançamento do álbum póstumo Still, em outubro de 1981, um ano e cinco meses após o suicídio do vocalista Ian Curtis.

A energia em estado bruto de um show do Sex Pistols em 1976 foi o estopim para o surgimento da banda. Não era necessário técnica ou muitos equipamentos. Aquilo era o básico, não apenas em termos musicais, mas também de uma forma física. No contexto de surgimento do punk, as limitações técnicas e tecnológicas aproximavam os jovens do movimento, outrora distanciados do virtuosismo do rock clássico e progressivo. "Eu poderia fazer isso", Hook escreve sobre seus pensamentos ao ver os Pistols.

"Lembro-me de me sentir como se tivesse passado toda a minha vida em um quarto na penumbra - confortável e aquecido e seguro e silencioso -, e então de repente alguém deu um chute na porta e ela se escancarou para deixar entrar uma luz brilhante e intensa, aquele ruído ainda mais intenso, mostrando-me outro mundo, outra vida, uma saída".

Musicalmente, foi um show horrível, mas importante para mostrar o potencial do que pessoas "normais" poderiam fazer. Entre as cerca de 50 pessoas que assistiram ao show estavam Morrissey (você sabe de qual banda) e Mark E. Smith, que em seguida formaria o The Fall.

Bernard Sumner, amigo de escola de Hook, havia ganhado de seus pais uma guitarra no Natal anterior, o que o tornaria o guitarrista da banda recém-criada. Hook foi para o baixo e outra limitação definiria parte de estética musical do Joy Division: seu amplificador era ruim e estalava quando ele tocava notas mais graves. Sem dinheiro para um equipamento melhor, foi obrigado a tocar e compor usando mais notas altas, mais agudas. Seus notórios riffs, que às vezes se assemelham mais aos sons de uma guitarra, começaram a surgir por esse motivo.

Esses são apenas alguns exemplos dos relatos de Hook que fluem como se estivéssemos em uma conversa guiada por alguém com uma memória excelente (aparentemente ele mantinha um diário na época, a julgar pelo detalhamento nas descrições de fatos ocorridos 30 anos antes). Ele recria um contexto social e musical bastante diferente do que estamos acostumados (uma época em que gravar, prensar e distribuir discos era muito caro e que, para tocar, as bandas underground precisavam levar todo o equipamento do show, de amplificadores ao PA - as caixas de som direcionadas ao público) e mostra como o acaso também influiu de forma crucial nos caminhos da banda:
- Hook passou parte da infância na Jamaica e só voltou com a família para a Inglaterra porque sua mãe suspeitava que o marido a estava traindo por lá;
- inicialmente chamada Warsaw, a banda mudou de nome para Joy Division porque não estava conseguindo marcar shows porque os contratantes a confundiam com uma banda punk chamada Warsaw Pakt (que teve vida curta);
- Stephen Morris viu dois anúncios de grupos procurando bateristas. Um era do The Fall, o outro, do Warsaw/Joy Division. Ligou para o Warsaw porque era uma ligação local, o outro número de telefone era interurbano.

As super organizadas linhas do tempo e o faixa-a-faixa de cada disco são deleites adicionais para quem é fã. Hook comenta os processos de composição e gravação do Joy Division, expressa seu pesar pela certa insensibilidade dos integrantes da banda em relação a Ian (não sabiam muito de sua vida pessoal e pelo que o afligia emocionalmente, levando-o a suicidar-se aos 23 anos, dias antes de partirem para a primeira turnê pelos Estados Unidos) e reforça o idealismo da banda e do selo Factory em não tratar a música simplesmente como um produto (o que, inevitavelmente, acabava por limitar o potencial de difusão deles). Não queriam entrar no sistema das grandes distribuidoras e por isso seus singles não chegavam em muitas rádios; não faziam produtos de merchandising da banda porque o negócio deles era música, não camisetas. Acabaram sendo multados por isso: anos mais tarde, após o estouro da banda, pós-suicídio de Ian Curtis, o governo inglês percebeu que eles não estavam declarando os ganhos com a venda de camisas e os multou em £20.000. "Fomos a única banda multada por não fazer as próprias camisetas", ri.
 

Acima, documentário Joy Division, lançado em 2007.

Alta ajuda

Alta Ajuda, de Francisco Bosco, é um livro de filósofo punheteiro. Em geral, Bosco parte de suas próprias experiências e fala de si mesmo supostamente para tentar entender o outro. Egocentrismo e certo pedantismo à parte, a coletânea de textos publicados por Bosco em jornais e revistas (reescritos para a publicação do livro) possui boas reflexões e análises. Quando deixa de falar de si mesmo e passa a observar as experiências ao seu redor com maior desapego, interpreta a vida cotidiana com sensibilidade e seu grande repertório teórico enriquece a escrita.

Música popular, arte moderna, futebol, ocupações em favelas e relacionamentos são alguns dos temas abordados. Usa o caso Belchior, por exemplo, para tratar da sociedade de controle - reforçada pela(s) mídia(s) - em que vivemos. "Estamos trancados na realidade, ao ar livre, gradeados por milhares de olhos que nunca fecham", escreve. Ou, ao analisar o ato da escrita (os motivos de quem escreve e de quem lê) e sua relação com a publicidade, crava: "A publicidade, assim, diz respeito ao que o sujeito é. A arte (como o pensamento), está interessada no que o sujeito pode ser."

"Não há sol a sós" (reproduzido abaixo), sintetiza o que é apresentado em Alta Ajuda e é um de seus melhores momentos. 

A alegria e a tristeza são os dois afetos fundamentais. A alegria é o que aumenta a nossa potência de agir, como se fosse a imagem invertida da alegria. Pertencente à família da alegria, a esperança, por exemplo, "é uma alegria inconstante, nascida da imagem de uma coisa futura, de cujo acontecimento nós duvidamos", mas que desejamos. Ao contrário, filiado à tristeza, "o medo é uma tristeza inconstante, nascida da imagem de uma coisa também duvidosa", mas que tememos. Essas ideias estão na terceira parte da Ética, de Espinoza, "o príncipe dos filósofos", segundo Deleuze. Nela, numa arquitetura rigorosa, os afetos são dispostos como diante de um espelho. Podemos acrescentar a esses pares invertidos a admiração e a inveja. Esses fatos designam dois modos de olhar: um deles produz alegria; o outro, tristeza. É um dever existencial de cada sujeito fazer com que o olhar admirativo prevaleça sobre o olhar invejoso.
A palavra ‘invejar’ vem do latim ‘invidere’. É composta pelo prefixo ‘in-‘, mais o verbo ‘videre’, de onde vem o nosso ‘ver’. O prefixo latino ‘in-‘ pode ser tanto uma função privativa (como em ‘incrível’), quanto designar um ‘movimento para dentro’, para o interior de algo. Creio ser este segundo caso seu significado em ‘inveja’ que, portanto, quer dizer um olhar que vai para dentro de alguma coisa. Invejar alguém é desejar ocupar o lugar do outro, é desejar ser o outro, é desejar anular o outro, deixar de vê-lo e ver a si mesmo em seu lugar. A expressão popular tem precisão cirúrgica: é o olho gordo, o olho com fome, o olho que engole o outro.
Já ‘admirar’ se refere ao modo contrário de olhar. ‘Admirari’, em latim, reúne o prefixo ‘ad-‘, mais o verbo ‘mirari’. O prefixo ‘ad-‘ significa ‘em direção a’, ‘aproximação’. Admirar, portanto, é o olhar que se aproxima de algo, que vai em sua direção. A diferença entre o movimento para dentro (inveja) e o movimento de aproximação (admiração) é decisiva. O olhar que admira não deseja tomar o lugar do outro. Sua condição primeira e sine qua non é reconhecer a existência do outro. Ele se aproxima do outro, do ser admirado, mantendo a distância para que este exista.
A inveja é um olhar que deseja eclipsar o ser invejado. Pressupõe a admiração, pelo menos em um estado latente: o invejoso deseja aniquilar aquele cujo brilho ele reconhece. Não se inveja qualquer pessoa, nem tampouco todas as pessoas invejarão as mesmas pessoas. A inveja obedece a critérios que a psicanálise chamaria de imaginários. Por imaginário não se deve entender alguma coisa da ordem da imaginação, no sentido do que não existe realmente. O imaginário é o registro do nosso psiquismo onde se situa a imagem de nós que nós gostaríamos de ser, ou que gostaríamos que os outros vissem. A minha autoimagem tem tais e tais características, que eu me esforço para realizar em mim. É o que nos leva à inveja.
Estaremos expostos à inveja quando estivermos diante de alguém que realiza em si, a nosso ver, as características da nossa autoimagem. Um ator dificilmente invejará um campeão mundial de natação – mas sim o ator que está no camarim ao lado, e que é protagonista da peça em que ele é coadjuvante. Há, assim, uma lógica da inveja. Mas o que importa é sua ética.
A inveja detém o estatuto do ridículo. Pois é uma cena psíquica solitária, de que na maioria das vezes o outro, invejado, nem sequer fica sabendo. É uma luta sem adversário, vã. Ou ainda, uma luta em que o adversário é o próprio eu, que necessariamente sairá perdendo. Nunca se conseguirá ser o outro invejado anulando-o, real ou imaginariamente.
Além de triste, a inveja é também burra. Vedando-se ao brilho do outro, ela se fecha à possibilidade de alimentar-se desse brilho. É aqui que entra a superioridade – moral, existencial e intelectual – da admiração. O olhar que admira se aproxima do outro a fim de reconhecer-lhe as qualidades, identificá-las e procurar emulá-las. Emular é uma bela palavra. Ela designa a ação por meio da qual procuramos estar à altura do que reconhecemos como bom. A admiração exige uma capacidade perceptiva desenvolvida para identificar as qualidades do outro e procurar realizá-las em si mesmo. Voltando a Espinoza, é por isso que a admiração é uma das filhas da alegria (enquanto a inveja o é da tristeza): porque ela aumenta nossa capacidade de agir.

Termino esse minimanifesto existencial citando um verso que contém todos os aspectos da admiração como dever: sua dimensão política (de reconhecimento do outro), intelectual (de capacidade perceptiva) e existencial (deixar-se banhar pela luz do outro e alimentar-se dela). É um verso do grande poeta Arnaldo Antunes: "Não há sol a sós". Não há sol. Há sóis.

E pra não parecer que a abertura deste texto foi implicância minha, aqui está a tirinha do Allan Sieber na qual ele tira um sarro do mesmo assunto.

Dead Kennedys: Fresh Fruit for Rotting Vegetables [os primeiros anos]

Um dos mais famosos e influentes grupos punk da história, o Dead Kennedys também ficou marcado por sua postura politizada e musicalidade mais elaborada do que outras bandas do estilo. O cenário que deu origem ao clássico primeiro disco da banda (e seus bastidores) são descritos no livro Dead Kennedys: Fresh Fruit for Rotting Vegetables [os primeiros anos], de Alex Ogg, publicado em 2014 e lançado no Brasil no mesmo ano pela Edições Ideal (em duas versões, com capa dura - vermelha - e simples - com uma reprodução da capa do álbum). Uma publicação que levou quase 10 anos para ser finalizada devido às brigas entre os ex-integrantes, polarizadas entre o vocalista Jello Biafra e o guitarrista East Bay Ray, que disputam a autoria da maioria das músicas (Ogg acredita na versão de Biafra, mas abre espaço para todos os integrantes apresentarem suas versões da história).

Um dos pontos centrais no surgimento do DK é que o punk britânico era mainstream demais, com o Sex Pistols, The Clash e outros grupos fazendo parte do cast de grandes gravadoras, recebendo ampla cobertura da mídia e ditando tendências estéticas. Em São Francisco, onde o DK surgiu, a cena ainda era incipiente, porém mais crua. Um fator essencial para a sonoridade diferenciada do DK foi o fato de seus integrantes virem de diferentes backgrounds, com influências de jazz, soul music e garage rock, entre outros. As guitarras da banda são marcadas por delays e reverbs, mais próximas de surf music do que Sex Pistols; a bateria foge do ritmo direto do punk, assim como as linhas de baixo (vide as clássicas introduções de "Holiday in Cambodia" e "California Übber Alles").



O sarcasmo e a ironia, marcas registradas da banda, permanecem atuais até os dias de hoje e chegaram a gerar vários problemas devido a "problemas de interpretação" por parte do público. Para citar poucos casos, vale lembrar que algumas pessoas acreditavam que "California Übber Alles" fosse uma ode ao neo-nazismo e outras interpretavam literalmente as letras de músicas como "Kill the poor" e "I kill children", resultando em respostas diretas como a faixa "Nazi punks fuck off" - para deixar clara a postura da banda.

A política estava tão ligada à essência da banda que Biafra chegou a se candidatar à prefeitura de São Francisco em 1979, anos 21 anos. Ficou em 4º lugar entre os 10 candidatos, com propostas como obrigar os executivos a se vestirem de palhaços no centro da cidade e contratar ex-funcionários da prefeitura para pedir esmola para os cofres públicos. Acabou servindo como uma ótima estratégia de marketing e ajudou a chamar atenção para a banda, que já se destacava, entre outros motivos, pelos shows enérgicos e pela performance teatral do vocalista.

Além de compreender o caminho percorrido pela banda desde seu surgimento até as gravações dos primeiros singles e o lançamento de Fresh Fruit, o livro é interessante por apresentar um panorama da cena punk/hardcore que viria a se desenvolver na costa oeste americana. Conta-se, por exemplo, que Ian MacKaye - Minor Threat/Fugazi - foi a um show do DK em São Francisco e achou interessante o fato de que nos shows da banda pessoas de todas as idades podiam entrar, prática pouco recorrente na época. Os menores de idade eram identificados com um X pintado na mão com tinta permanente. Símbolo que, mais tarde, seria utilizado na cultura straight edge (a história é confirmada pelo próprio MacKaye).

A arte gráfica da publicação é outro ponto alto. São dezenas de páginas com cartazes e outras artes criadas por Winston Smith, criador da logo do Dead Kennedys e da maioria das capas da banda. Suas colagens influenciariam pra sempre a estética punk, assim como a música do Dead Kennedys.



So you been to school
For a year or two
And you know you've seen it all
In daddy's car
Thinkin' you'll go far
Back east your type don't crawl

Play ethnicky jazz
To parade your snazz
On your five grand stereo
Braggin' that you know
How the niggers feel cold
And the slums got so much soul

It's time to taste what you most fear
Right guard will not help you here
Brace yourself, my dear

It's a holiday in Cambodia
It's tough, kid, but its life
It's a holiday in Cambodia
Don't forget to pack a wife

You're a star-belly sneech
You suck like a leach
You want everyone to act like you
Kiss ass while you bitch
So you can get rich
But your boss gets richer off you

Well you'll work harder
With a gun in your back
For a bowl of rice a day
Slave for soldiers
'Till you starve
Then your head is skewered on a stake

Now you can go where people are one
Now you can go where they get things done
What you need, my son.

Is a holiday in Cambodia
Where people dress in black
A holiday in Cambodia
Where you'll kiss ass or crack

Pol pot, pol pot, pol pot, pol pot

And it's a holiday in Cambodia
Where you'll do what you're told
A holiday in Cambodia
Where the slums got so much soul

Vocalista do Porcas Borboletas, Enzo Banzo lança Poesia Colírica, seu primeiro livro

"Gosto da poesia que dá um passo. Depois o outro. Tem seu tempo. Certeiro. Não se mete à besta. Nem a devaneios. A poesia coloquial. Banal. Ao natural. A poesia que não se atropela. Não apela. Não veste gravata. Mora na gente”. Assim o escritor Marcelino Freire descreve Poesia Colírica, livro de estreia do músico e escritor Enzo Banzo. Com a banda Porcas Borboletas, Enzo lançou os discos Um carinho com os dentes (2005), A passeio (2009) e Porcas Borboletas (2013). Em Poesia Colírica, explora temas do cotidiano com um olhar singular e bem humorado. Cria versos que brincam com dramas e com as palavras.

Alguns poemas de Poesia Colírica

tem coisas que guardo
e não faz sentido
pois sei que não guardam
o tempo partido

tem coisas que aguardo
e não tem por que
se um dia chegarem
nem vou perceber
_____________________________________

quis ter escrito
algo bonito
mas não consigo
fazer sentido

então prefiro
esse bonito
que nunca é dito
só é sentido
_____________________________________

já fui um sêmen
em um ovário
hoje sou vários
_____________________________________

nó no pescoço
não desce a dor
nem o almoço
_____________________________________

caminhando e cantando e
caminhando e cantando e
caminhando e cantando e
caminhando e cansando e
caminhando e sentando e
deitando e dormindo

Música do Brasil, de Hermano Vianna e Ernesto Baldan

Música do Brasil caiu em minhas mãos por acaso, enquanto conversava com um amigo antropólogo que achou que eu deveria conhecê-lo. Parte de um projeto que também incluiu uma série de TV, CDs e site, o livro possui textos de Hermano Vianna e fotos de Ernesto Baldan realizadas ao longo das viagens que fizeram pelo Brasil buscando retratar a música folclórica brasileira e, principalmente, as pessoas envolvidas com essas manifestações culturais.

Publicado em 2000, o livro é resultado dos cerca de 80 mil quilômetros percorridos pela equipe do projeto e dos dois anos de pesquisa sobre o tema. Os textos de Hermano mostram como a religião e o sincretismo marcam a cultura popular brasileira e aborda, em sua maioria, tradições culturais de grupos das classes menos favorecidas. Ele descreve as manifestações folclóricas como "brincadeiras", no sentido que a as atividades realizadas são festas em um sentido mais amplo, na maior parte das vezes unindo a apresentação musical a algum ritual ou culto.

A falta de numeração nas páginas dialoga com a forma como o material é apresentado: não segue ordem geográfica, estética ou cronológica. Estão, lado a lado, elementos mais conhecidos da cultura brasileira (como o carnaval, o tecnobrega e o samba) e manifestações exóticas ou pouco divulgadas, como o Zambiapunga de Taperoá, na Bahia, os Dançarinos da Sociedade de Danças Antigas e Semi-desaparecidas Araruna (nome sensacional) de Natal, no Rio Grande do Norte, e o catumbi de Itapocu, em Santa Catarina (uma variação de congado).

Um dos pontos mais interessantes é observar como os diferentes grupos retratados transformam suas limitações (de recursos financeiros e de matéria-prima) em recortes estéticos. Eles se adaptam às suas respectivas realidades e não deixam de manifestar suas crenças e sentimentos. Como escreve o próprio Hermano, a alegria apresentada junto a essas manifestações populares seria uma forma de resistir à miséria para não deixar que aquilo que é miserável tome conta de todo o seu mundo, de sua vida". Um bom exemplo é a banda Dragões do Forró, de Nova Olinda, no Ceará. Com uma mistura inconsciente de John Cage e gambiarra, a banda é criação de um garoto que constroi seus próprios instrumentos com sucata, sendo que muitos deles sequer emitem sons. O que importa ali é seu valor simbólico, a performance que sintetiza a vontade de se expressar e se divertir, independente das condições disponíveis.
 

Cultura da participação - Criatividade e generosidade no mundo conectado

Lançado em 2011 no Brasil pela editora Zahar, Cultura da participação - Criatividade e generosidade no mundo conectado apresenta no título uma diferença em relação à sua publicação original (em 2010) que muda levemente o foco da abordagem do estadunidense Clay Shirky, autor do livro. No original, Cognitive surplus (creativity and generosity in a connected age), a ideia de Shirky fica mais clara: trata-se de uma obra sobre como o excedente cognitivo pode gerar experiências coletivas que unem criatividade e generosidade.

Especialista em internet e comunicação digital, Shirky analisa as formas de organização social através da tecnologia digital e seus desdobramentos culturais. Seus exemplos vão de aplicativos para denúncias de violências étnicas no Quênia à influência política de grupos pop sobre adolescentes chinesas (as manifestações acontecidas em junho de 2013 por todo o Brasil poderiam ser, facilmente, objeto de análise semelhante). Otimista, ele acredita vivermos um momento de potenciais transformações através da ação coletiva mediada pela internet. "As oportunidades diante de nós, individual ou coletivamente, são gigantescas; o que fazemos com elas será determinado em grande parte pela forma como somos capazes de imaginar e recompensar a criatividade pública, a participação e o compartilhamento", escreve.

Alguns dos pontos cruciais referem-se à diminuição de custos resultante da digitalização e o posterior aumento da experimentação e o potencial de criação (além de compartilhamento e desenvolvimento) ao não se guiar por interesses comerciais mas sim por motivações intrínsecas que compartilhamos com diferentes indivíduos. Abaixo, uma seleção de trechos do livro que ajudam a entender o que Shirky propõe. Quem se interessar, também pode ler o primeiro capítulo, "Gim, televisão e excedente cognitivo", no site da Zahar.

"É mais fácil lidar com a escassez do que com a abundância, porque, quando algo se torna raro, nós simplesmente acreditamos que é mais valioso do que era antes, uma mudança conceitualmente fácil. A abundância é diferente: seu advento significa que podemos começar a tratar coisas que antes eram valiosas como se fossem baratas o bastante para desperdiçar, o que significa baratas o bastante para fazer experiências com ela. Como a abundância é capaz de eliminar os valores de custo-benefício aos quais estamos acostumados, ela pode desorientar as pessoas que cresceram com escassez. Quando um recurso é escasso, as pessoas que o gerenciam normalmente o consideram valioso em si mesmo, sem parar para avaliar quanto do seu valor está condicionado à sua escassez."

"O material de baixa qualidade que surge com a liberdade crescente acompanha a experimentação que cria o que acabaremos apreciando. Isso foi verdade na tipografia do século XV, e é verdade na mídia social de hoje. Em comparação com a escassez de uma era anterior, a abundância acarreta uma rápida queda da qualidade média, mas com o tempo a experimentação traz resultados, a diversidade expande os limites do possível, e o melhor trabalho se torna melhor do que o que havia antes. Depois da tipografia, publicar passou a ter maior importância porque a expansão dos textos literários, culturais e científicos beneficiou a sociedade, mesmo que tenha sido acompanhada por um monte de lixo."

"... a maneira como colocamos nossos talentos coletivos para funcionar é uma questão social, e não apenas individual. Como precisamos nos coordenar mutuamente para extrair algo de nosso tempo e talentos compartilhados, usar o excedente cognitivo não é apenas acumular preferências individuais. A cultura dos diversos grupos de usuários tem grande importância para o que eles esperam uns dos outros e para o modo como trabalham juntos. A cultura, por sua vez, é o que determina quanto do valor que extraímos do excedente cognitivo é apenas coletivo (apreciado pelos participantes, mas não muito útil para a sociedade como um todo) e quanto dele é cívico."

"O excedente cognitivo, recém-criado a partir de ilhas de tempo e talento anteriormente desconectadas, é apenas matérias-prima. Para extrair dele algum valor, precisamos fazer com que tenha significado ou realize algo. Nós, coletivamente, não somos apenas a fonte do excedente; somos também quem determina seu uso, por nossa participação e pelas coisas que esperamos uns dos outros quando nos envolvemos em nossa conectividade." 

"A antiga visão de rede como um espaço separado, um ciberespaço desvinculado do mundo real, foi um acaso na história. Na época em que a população online era pequena, a maioria das pessoas que você conhecia na vida diária não fazia parte dela. Agora que computadores e telefones cada vez mais computadorizados foram amplamente adotados, toda a noção de ciberespaço está começando a desaparecer. Nossas ferramentas de mídia social não são uma alternativa para a vida real, são parte dela. E, sobretudo, tornam-se cada vez mais os instrumentos coordenadores de eventos no mundo físico."

"O que importa agora não são as novas capacidades que temos, mas como transformamos essas capacidades, tanto técnicas quanto sociais, em oportunidades. A pergunta que agora enfrentamos, todos nós que temos acesso aos novos modos de compartilhamento, é o que vamos fazer com essas oportunidades. A pergunta será respondida muito mais decisivamente pelas oportunidades que fornecermos uns para os outros e pela cultura dos grupos que formamos do que por qualquer tecnologia em particular."

E aqui está o registro da palestra que Shirky deu sobre excedente cognitivo e seu livro no seminário "A Sociedade em rede e a economia criativa", realizado em São Paulo, em 2011. O áudio está ruim porque a tradução em tempo real está sobreposta à voz de Shirky, mas dá para entender (com certa dificuldade).

Rough Trade, o livro

O selo inglês Rough Trade já teria seu lugar reservado na história da música mundial simplesmente pelo fato de ter sido o responsável por lançar os primeiros trabalhos de bandas como The Smiths, The Strokes, The Libertines e Arcade Fire. No entanto, sua história vai além e permeia o desenvolvimento da música alternativa e do indie rock, conforme é descrito no livro homônimo escrito pelo jornalista Rob Young e publicado em 2006, mas ainda sem tradução em português.

Criada em 1976, a Rough Trade inicialmente era somente uma loja, evolução dos hábitos de colecionador de discos de seu fundador, Geoff Travis. Em 78, a partir da demanda de bandas próximas, transformou-se também em um selo guiado através de uma gestão coletiva (e quase utópica). Com o instinto do it yourself do punk mas com os ouvidos abertos para a música alternativa e experimental, Travis define o início do selo como  sendo algumas pessoas interessadas em descobrir novas músicas e conversar sobre isso, cercados de caixas (com os discos e fitas a serem entregues). O passo seguinte seria funcionar como distribuidora, atuando como ponto central para a circulação dos trabalhos de bandas alternativas por toda o Reino Unido.

Após uma série de lançamentos ecléticos que reforçavam constantemente o caráter de garimpeiro underground do Rough Trade (através de artistas como Cabaret Voltaire, Stiff Little Fingers, Swell Maps e The Fall), o selo passou a dialogar diretamente com o mercado mainstream em 1983, ao descobrir o The Smiths e lançar os primeiros singles da banda. A relação com os Smiths foi conturbada e durou poucos anos, mas marcou um período extremamente fértil para o Rough Trade, que nos anos seguintes lançaria discos de Jonathan Richman & The Modern Lovers, Beat Happening, Galaxie 500, Mazzy Star e uma infinidade de bandas obscuras.

A ascensão nos anos 80 se transformaria em uma forte decadência no início dos anos 90, cuja explicação, resumida, remete aos clássicos erros de controle financeiro e (pasmem) na escolha de adotar um software de gerenciamento de estoque e fluxo de caixa que nenhum outro concorrente utilizava e que acabou por se tornar um enorme pesadelo na empresa. Depois de várias mudanças e uma atuação menos relevante ao longo dos anos 90, tudo mudaria em 2000, quando Travis e sua sócia, Jeannette Lee, receberam via correio uma fita com três músicas demo do The Strokes e, na semana seguinte, viajaram para Nova York ver a banda ao vivo - e contratá-los. O que viria a seguir seria a consagração do Rough Trade como um dos principais selos indie do mundo para uma nova geração, dessa vez tendo o indie/pós-punk do The Libertines no lugar do punk eletrônico dos franceses Métal Urbain, primeira banda lançada pelo selo.


Mais do que contar curiosidades de bastidores, o ponto principal do livro é contextualizar o momento histórico em que se deu a criação do Rough Trade e apresentar o funcionamento de parte relevante da indústria musical, uma vez que a Rough Trade, ao longo dos anos, se desdobrou em loja, distribuidora, selo, editora e empresa de agenciamento de artistas. Sua escolha em manter-se focada no conceito (e não, essencialmente, nas demandas mercadológicas) foi crucial para constituir a empresa como ícone mundial do indie rock e, no final das conta, gerar lucro após quase uma década inteira de quase falência e incorporações por outras empresas para manter-se viva (até mesmo a marca "Rough Trade chegou a ser vendida durante os períodos mais tenebrosos).

Durante as transformações da empresa a loja permaneceu ativa, apesar de algumas mudanças de endereço. Além da grande variedade de materiais, recebe pocket shows que permitem uma interação maior entre artista e público. Por lá passaram Talking Heads, Ramones, Queens of the Stone Age e muitas outras. Curiosamente, no dia em que fui a uma das lojas quem tocava era o projeto A Curva da Cintura, dos brasileiros Arnaldo Antunes e Edgard Scandurra.

Para quem se interessar pela história de outros selos, a editora Black Dog, responsável pelo livro sobre a Rough Trade, possui uma série de publicações chamada Labels Unlimited.

Pós-debate no Sesc (everything is a remix, dicas de livros e considerações)

Eu e o Alex Antunes participamos de um debate no Sesc Araraquara no dia 31 de Março sobre o cenário da música independente no Brasil, gestão de carreiras e jornalismo musical que foi bem interessante. Aproveitando o papo que rolou (com pouco mais de 30 pessoas, um número bom para esse tipo de iniciativa), reúno aqui parte do conteúdo que indiquei durante o debate e destaco alguns pontos da conversa.

Everything is a remix: documentário sobre a cultura do remix e sua contextualização histórica. Aborda o caráter cíclico da cultura e como ela se mantém viva através de múltiplas apropriações de elementos previamente criados.

Cultura Livre - Como a grande mídia usa a tecnologia e a lei para bloquear a cultura e controlar a criatividade: livro básico pra se entender mais sobre propriedade intelectual e direitos autorais no mercado cultural.

Free - Grátis: o futuro dos preços: livro do mesmo autor do best seller A Cauda Longa. Já escrevi sobre ele aqui no Meio Desligado.

Cultura da participação - Criatividade e generosidade no mundo conectado

O Culto do Amador - Como blogs, MySpace, YouTube e a pirataria digital estão destruindo nossa economia, cultura e valores

• No Brasil, duas redes mais importantes envolvidas na produção cultural de forma coletiva e colaborativa são a Fora do Eixo e a iniciativa do Governo Federal dos Pontos de Cultura;
• O "excedente cognitivo" resultante das tecnologias digitais e das redes sociais reflete-se também no meio musical, gerando discussões sobre a necessidade (ou não) de mediadores que filtrem a produção excessiva e apresente ao público em geral uma seleção realizada através de critérios subjetivos;
• A troca de serviços e a gratuidade não devem ser vistos como uma forma abrir mão de remuneração, mas sim como um investimento e parte de uma estratégia na qual os serviços/produtos gratuitos façam parte de um modelo de negócios que seja sustentável no decorrer do tempo.

Blink: estudando o inconsciente, a tomada de decisões e a formação de opinião

Apesar do título no clássico estilo de auto-ajuda (reforçado no subtítulo original, The power of thinking without thinking, ou, em tradução literal, "o poder de pensar sem pensar"), Blink, segundo livro do inglês Malcolm Gladwell, se aproxima mais da psicologia e sociologia. Nele, o autor analisa a formação de nossas primeiras impressões em relação a algo e as formas através das quais são tomadas importantes decisões em curtos espaços de tempo - muitas vezes em situações de estresse e grande pressão. A base do livro é estudar o poder da cognição rápida,  sua relação com nossos pensamentos inconscientes e o que chamamos de intuição.

A todo momento somos obrigados a tomar decisões de diferentes graus de importância sobre assuntos e pessoas que muitas vezes não temos conhecimento profundo ou sobre situações sobre as quais não temos total controle - o mais recorrente. Em Blink, Gladwell apresenta pesquisas e acontecimentos que ajudam a entender melhor o processo de tomada de decisões rápidas e como isso pode resultar em ações mais construtivas.

Estamos sempre executando diversas tarefas simultâneas, mas muitas delas são realizadas inconscientemente, no "piloto-automático", para não nos sobrecarregar. Enquanto você lê esse texto, provavelmente seu corpo fez uma série de pequenos movimentos que não foram friamente calculados e aconteceram porque seu inconsciente o levou a isso, como se ajustar na cadeira ou movimentar a perna para se sentir mais confortável. Isso acontece para que o cérebro se concentre em executar a ação principal naquele momento: ler e interpretar o texto.

Segundo Gladwell, ao tomarmos decisões muito rápidas, em questão de poucos segundos, somos levados por nosso inconsciente, que se baseia em experiências anteriores, em associações implícitas. Um dos experimentos descritos no livro é simples. A pessoa se senta em frente a um computador e momentaneamente lhe é exibido o rosto de uma pessoa branca ou negra. Na sequência é exibido, durante 200 milésimos de segundo, a imagem de uma arma de fogo ou de uma chave inglesa. Quando tinham visto primeiro a imagem do homem negro, a maioria das pessoas identificou mais rápido a arma e também aumentou a porcentagem de pessoas que confundiu a chave inglesa com um revólver. São as associações implícitas feitas pelo subconsciente.

Outro exemplo se refere a pessoas que recorrem a empresas para encontrar parceiros amorosos. Quando perguntadas sobre os tipos de parceiros elas querem, fazem uma descrição X. No entanto, ao participarem dos encontros coletivos, elas rapidamente se interessam por pessoas com descrições bastante diferentes. Isso acontece porque há uma diferença entre o que sentimos, consciente e inconscientemente, e o que conseguimos expressar conscientemente. Quando você ouve uma nova música ou assiste a um curto comercial, sabe logo nos primeiros momentos se gosta ou não naquilo, mas se for perguntado do motivo de sua escolha, muitas vezes terá problema em se expressar.

Um dos fatores que deve diferenciar o jornalista cultural/crítico do leitor/público é essa capacidade. Não é obrigatório que o público consiga expressar claramente cada ponto que o atrai em um produto cultural. Ele deve, essencialmente, sentir aquela obra. Já o crítico, em sua função clássica, deve ser capaz de sintetizar o que lhe é apresentado e repassar ao público.

O livro possui muitos casos e pesquisas científicas que permitem compreender melhor o que o autor propõe e talvez seja difícil compreender em poucos exemplos. Fecharei com apenas mais um caso, agora aplicado à indústria cultural. Em Blink, há o caso de uma nova cadeira (Aeron, da Herman Miller), resultado de anos de pesquisa em ergonomia e materiais. Nos testes com o público ela se mostrou extremamente confortável, mas ganhava péssimas notas em relação a aparência. Essa situação se repetiu com diferentes grupos de pesquisa, mas mesmo assim, tempos depois, o fabricante decidiu lançá-la. O resultado foi que no início as vendas foram baixas mas depois ela se transformou em um estrondoso sucesso, a cadeira mais vendida da companhia. 

Como isso se aplica a indústria cultural? A cadeira foi mal junto aos grupos de teste no quesito estética por ser totalmente diferente, visualmente, das cadeiras comercializadas até então. Assim, nos testes, as pessoas não tinham parâmetros para compará-la, não tinham experiências que se aproximassem daquela experiência estética e o resultado inicial era simplesmente o desgosto. Na música e nas artes o processo é semelhante. Artistas de vanguarda dificilmente agradam ao grande público e um dos motivos seria que, ao ter um primeiro contato, a pessoa não estaria "preparada", o desgosto pode ser apenas resultado de algo que você desconhece e não consegue relacionar às suas experiências anteriores. Por isso a necessidade de ouvir melhor determinados CDs que em um primeiro momento parecem estranhos, porque em um primeiro momento você não foi capaz de fazer ligações suficientes que determinassem se aquilo lhe agrada ou não. 

O interessante nisso tudo é pensar como os julgamentos e opções que fazemos diariamente muitas vezes não podem ser explicados claramente por nós mesmos. Entender o motivo disso e treinar o "inconsciente adaptável", onde construímos nossas conclusões antes de ter consciência das mesmas, parece ser pertinente. Não é um livro "obrigatório", mas pode influenciar nas suas relações interpessoais e no modo como você toma decisões.

Free (grátis): o futuro dos preços

Gratuidade não significa ideologia, mas, sim, uma opção de um modelo de negócios mais amplo. Essa é uma das constatações a que podemos chegar ao ler  Free (grátis): o futuro dos preços, segundo livro de Chris Anderson, autor do fundamental A Cauda Longa (sobre o mercado de nichos potencializado pela internet).

O "futuro dos preços" no subtítulo do livro não foi uma das melhores escolhas e pode levar a conclusões precipitadas e errôneas. O subtítulo original, "the future of a radical price", apesar da singela distinção, faz muita diferença. O grátis, segundo Anderson, será uma opção cada vez mais constante, mas não, necessariamente, regra. A exceção a isso aplica-se justamente ao conteúdo digital, o qual, para o autor, a tendência é tornar-se gratuito, uma vez que seus custos de produção e reprodução tornam-se cada vez mais baixos. Semelhante ao que a Lei de Moore estabelece, de que a capacidade dos processadores duplica a cada 18 meses, os custos de armazenamento, largura de banda e processamento diminuem 50% a cada ano, o que, inevitavelmente, levará os custos de várias empresas que atuam no ambiente digital próximo a zero - tão baixo que não valerá a pena cobrar por ele, oferecendo esse produto de graça. 

No entanto, isso é apenas parte do processo de comercialização de produtos e serviços. Como Anderson escreve, "o grátis pode ser o melhor preço, mas não o único". Essa colocação se explica através de modelos de negócios que utilizam o grátis como parte do processo, como os modelos freemium (em que uma pequena parcela dos usuários pagam para obter versões mais completas de um serviço usado gratuitamente em sua versão básica por um grande número de pessoas).

Há muito tempo o grátis tem sido uma importante ferramenta de marketing, mas somente com a popularização da internet pôde ser considerado efetivamente um modelo de negócios. Convivemos com isso diariamente na internet, utilizando serviços de email, publicação de conteúdo, assistindo vídeos ou recebendo informações gratuitas de sites de notícias. Obviamente, todo esse conteúdo não surge sozinho e o livro de Anderson é bom justamente por explicar esse processo, assim como a razão de sua viabiildade (e necessidade) atualmente até mesmo para leigos na área.

Um dos capitúlos mais interessantes refere-se às economias não monetárias. São trocas que envolvem reputação e atenção, tão presentes em redes sociais e blogs. O que fazemos ao visitar blogs, linka-los ou divulgar seus posts no Twitter? Estamos enviando tráfego para determinado blog e dizendo que gostamos daquilo, que ele deve ser visitado. Construímos sua reputação. O que essa reputação resultará ao seu autor cabe a ele capitalizar.

O mesmo vale para diferentes áreas artísticas, como a música. A distribuição gratuita de músicas na internet não tem custos reais para quem quiser distribui-la e permite a construção e ampliação de públicos. A cada vez que alguém divulga um link de download de uma banda, aumenta a reputação e a atenção dedicada àquela banda. Algumas vão reclamar disso, outras vão pensar e agir de forma a tentar potencializar essa ação e gerar dinheiro com isso, seja levando mais pessoas aos seus shows, criando produtos diferenciados que façam os ouvintes quererem comprá-los ou outras formas as quais a criatividade e originalidade de cada um os levar.

Assim como as empresas abaixam os preços e buscam diferentes alternativas de marketing para obter maior participação de mercado, os artistas atuais devem compreender que em uma época de abundância como a atual (com praticamente qualquer CD ou música acessível através da internet, de forma legal ou não) não basta apenas tornar sua produção acessível (isso é essencial), é preciso que o público/consumidor sinta que existe algo que justifique o tempo que ele dedicará à sua obra em vez das outras milhares disponíveis.

Se um conteúdo é abundante (como música gratuita), é na escassez que se depositará o valor (como na música indicada pelos seus amigos). Você poderá encontrar música aos montes pela internet, mas aquela banda indicada pelo seu amigo (que conhece melhor os seus gostos musicais) ou por um jornalista ou blogueiro que você respeita é um item escasso. É justamente essa indicação "rara" que tem maior potencial de agrada-lo e, por isso, se torna mais valiosa.  Como aponta Anderson, um dos bens mais valiosos e escassos que temos é o nosso tempo e todas as apções que nos permitam alcançar nossos objetivos poupando-o tenderão a serem mais valiosas. A indicação, a seleção e a construção de conhecimento ao longo desse processo tendem a movimentar cada vez mais atenção e reputação em complexas equações que podem ou não resultar em valores monetários. Para Chris Anderson, é mais provável que sim.

Livro: Free (grátis): o futuro dos preços

Autor: Chris Anderson

Editora: Elsevier

Média de preço: R$ 40

Os desafios do conhecimento coletivo e anônimo

Por Lena Zúñiga

Há vários anos, a nossa organização, uma cooperativa de trabalhadores na Costa Rica, vem trabalhando e buscando formas de explicitar o conhecimento coletivo e disponibilizá-lo a serviço da ação para a mudança social. Nós, as mulheres, pesquisamos, criamos metodologias e as colocamos em prática com grupos bem diversos em diferentes países da América Latina, com grupos que trazem os seus conhecimentos e experiências de vida para lhes dar forma e compartilhar.

As nossas diretrizes de trabalho incluem o uso das novas tecnologias para servirem de apoio a esses processos de construção coletiva e, dessa experiência, nós tivemos vários desafios que têm a ver com o conhecimento que não é de ninguém, mas que pertence a todos.

Em primeiro lugar, o conhecimento coletivo ocupa as nossas vidas cotidianas e é o que nos faz ser quem somos. É o conhecimento do qual não se pode definir uma autoria específica. Por exemplo, as receitas de culinária que são preparadas ou as formas como construímos as nossas casas são o resultado de misturas e contribuições de muitas pessoas, há muitos anos. Sendo assim, o conhecimento que as pessoas adquirem por experiências de vida e pelos anos de trabalho tem um grande valor, e nós estamos aprendendo a explicitar e compartilhar isso para colocar em prática, disseminar e dar outros sentidos.

Grande parte do conhecimento que fez com que avançássemos como cultura é, além disso, anônima: não é possível definir quem foi o autor das nossas histórias populares, dos ritmos tradicionais ou dos usos medicinais das plantas. Não podemos saber e possivelmente não queremos:

o anonimato nos permite, em certa medida, nos apropriarmos de forma coletiva desse conhecimento em forma “viral” e que vai sendo transformado, muitas vezes, sem preconceitos acerca da sua origem e das suas raízes que se perderam no tempo.Essa característica de anonimato também é essencial porque há momentos-chave nos quais o medo e a violência determinam qual conhecimento é o válido. Ao longo da História, inúmeros grupos de poder determinaram e regularam a informação, e o anonimato aparece nesses momentos para dar suporte à resistência, à mudança e à rebeldia das idéias.

Por outro lado, o anonimato também pode ser usado para alimentar más intenções e aumentar a desinformação. No entanto, quando são colocadas na balança entre as desvantagens e as vantagens sociais desta ferramenta, é possível ver como a necessidade de expressão sem preconceitos, a disseminação de conhecimento coletivo e a possibilidade de gerar um debate livre de idéias são muito boas razões para defender o tal anonimato.

As novas tecnologias nos possibilitaram capturar e compartilhar o conhecimento mais facilmente, e inclusive nos permitiu aumentar essa coletividade criativa, trazendo cada vez mais grupos, mais indivíduos de diferentes culturas para a mesa criadora de idéias. Mas essas possibilidades cada vez nos propõem mais desafios: a exclusão, a exploração, a violência, o crime e a injustiça não podem ser vistos como fenômenos sociais sem a relação com as tecnologias, e as tecnologias não podem ser consideradas neutras ou não-afetadas. Quando nós trabalhamos o assunto do conhecimento coletivo ligado às novas tecnologias, achamos muitos desafios. Um dos desafios é como proteger o caráter coletivo desse conhecimento. Outro desafio importante que estamos começando a experimentar é precisamente conservar a capacidade de produzir conhecimento anônimo.

Primeiramente, existe o problema da coletividade. Cada vez é mais evidente como, em nível global, os grupos de poder tentam generalizar formas de regular a propriedade do conhecimento, que são cada vez mais restritivas para a sua apropriação social e de transformação. Os modelos de propriedade intelectual que estão sendo globalizados são os mais restritivos, baseados em direitos autorais comerciais, mais do que em direitos culturais.

Sob estes modelos, é privilegiada a criação individual em relação à coletiva. Quase sempre se procura estabelecer uma autoria única, que garanta os direitos econômicos por cima dos direitos da coletividade em acessar o conhecimento compartilhado. Com períodos de copyright excessivos, por exemplo, são reduzidos o crescimento do domínio público e a circulação desse conhecimento.Depois, aparece o problema do anonimato. No fórum amplo das idéias que é a internet, poderia parecer que existe a possibilidade de inventar uma identidade separada da real, um ‘pseudoanonimato’, que nos permita localizar num espaço fora do alcance dos limites geográficos da censura e divulgar as idéias com baixo custo. De fato, milhares de pessoas vivem uma parte das suas vidas na internet escrevendo um blog, construindo um mundo no Second Life ou participando do chat ou numa comunidade virtual. O anonimato se usa para criar, discutir e trocar.

Por outra parte, outros grupos estão utilizando as mesmas tecnologias para identificar ameaças ao poder hegemônico e rastrear grupos e indivíduos na rede, identificar “ameaças” ou fazer investigações dos nossos hábitos e preferências em nome da segurança ou do mercado. Alguns, inclusive, utilizam o anonimato das novas tecnologias para cometer crimes, roubar identidades, obter segredos de empresas e de grupos e invadir a privacidade das pessoas.

Sendo esse um assunto tão vasto, o anonimato gerou respostas tecnológicas e respostas sociais muito diversas. Alguns optaram por buscar o fim do anonimato em nome da segurança através de leis e ferramentas informáticas. Outros geraram ferramentas e iniciativas legais que permitam gerenciar e regular as identidades on-line e a informação pessoal que se gera e se usa na rede. Outras iniciativas ainda preferem focar na forma em como as corporações e os governos estão utilizando o anonimato a seu favor. Para nós, este é um novo desafio que recém começamos a explorar, porque consideramos que o anonimato apresenta os seus problemas e as suas vantagens. Mas, por enquanto, ao colocar na balança, as vantagens continuam a ganhar. O espaço anônimo da internet é essencial para que ela continue sendo um espaço de criação coletiva e livre.

* Artigo integrante do livro Além das redes de colaboração: internet, diversidade cultural e tecnologias do poder

Conexões: o caminho para as boas ideias

Where Good Ideas Come From: The Natural History of Innovation ("De onde vêm as boas ideias: a história natural da inovação", em tradução livre), novo livro do guru da tecnologia Steven Johnson, promete ser um elemento de peso para reforçar a importância do livre fluxo de informações, troca de conteúdo e "remixagem" na construção coletiva de conhecimento. Ações cada vez mais presentes no cenário cultural e que permeiam praticamente todas as áreas de atividades humanas.

Tendo como base o vídeo abaixo, espécie de trailer do livro, Johnson parece propor que conectividade e trabalho coletivo são os melhores caminhos para se chegar a grandes ideias criativas e inovadoras.

Where Good Ideas Come From: The Natural History of Innovation será lançado em 5 de outubro.

(via Tiago Dória)